Sujetos, la nueva exposici贸n del artista Santiago Leal en N-ce arte, presenta su escultura m贸vil a base de escapularios que contienen im谩genes de hombres en momentos de exhibici贸n, una instalaci贸n con cajas de luces con dibujos y Never Die Alone, la obra in茅dita, protagonista de la muestra.
Santiago Leal viene desde hace m谩s o menos un a帽o y medio trabajando el tema de la homo-er贸tica. Never Die Alone hace parte de una serie que se llama Y vivieron felices para siempre, que a su vez tiene una vertiente llamada Y vivieron en la realidad para siempre. La obra es el resultado de dos procesos paralelos: uno conceptual, y otro formal.
Por un lado, la idea parte de la investigaci贸n que Leal hace en torno a la homo-er贸tica. 鈥淭odo comenz贸 en un barco en Estambul.鈥 Dice. 鈥淰i un tumulto de gente compuesto en su gran mayor铆a por hombres, haciendo fila para entrar al barco. Una cantidad absurda de hombres con muy pocas mujeres. Era un mar de personas. Hombres de todo tipo: no s贸lo turcos, sino tambi茅n blancos, negros, etc.鈥
Comenz贸 a interesarse en el tumulto de gente como masa que esconde un objeto de deseo. Pero su forma de ver ese objeto fue variando a medida que avanzaba hacia el resultado final. En una primera instancia, hubo una asociaci贸n hacia los hombres como algo desechable, que se usa y se bota como se hace con el toilet seat paper en Estados Unidos. La idea del cinismo iba necesariamente de la mano de la del desecho; Leal comprendi贸 que se trataba de un acto c铆nico el que impulsa al hombre a estar mutando entre pareja y pareja, entre deseo y deseo.
Pero pronto cay贸 en cuenta de que todo se trata de un camino de b煤squeda de La Pareja que a la vez supone el no encontrarla, por lo cual se sigue buscando. De repente el toilet seat paper dej贸 de funcionar pues 鈥渆n realidad uno no desecha a esas personas; uno se queda con todas las experiencias y todas las memorias. Y adem谩s uno espera mucho de cada sujeto que se va a encontrando. Ah铆 pienso que en realidad no se trata de cinismo鈥. La idea del matrimonio se empez贸 a hacer fuerte, como representaci贸n del supuesto punto en el que La Pareja es finalmente encontrada. Con esto en mente, Leal le pudo dar vida a la obra tal como existe hoy.
Never Die Alone es una instalaci贸n que se divide en cuatro secciones que se disponen en per铆metro, de afuera hacia adentro. La intensi贸n del artista fue crear un recorrido para el espectador a medida que 茅ste avanza a trav茅s de la multitud de hombres representados en dibujo:
La primera secci贸n de dibujos concentra registros de personas comunes y corrientes. Dibujos salidos de registros de calle, de videos, etc. La siguiente est谩 compuesto por el ideal. Son dibujos de modelos, pero vestidos. Despu茅s se representa la fantas铆a con cuerpos de modelos desnudos. Finalmente, est谩 lo que en realidad uno puede conseguir; hombres regulares desnudos.
鈥淗ay una b煤squeda para entender porqu茅 uno no es tan feliz. Y uno no lo es porque est谩 lleno de estereotipos tanto sobre el cuerpo propio como sobre el cuerpo deseado, que coh铆ben la felicidad. Por eso quiero que haya cuatro etapas, porque lo que uno ve siempre es la gente com煤n y corriente, despu茅s comienza a tener ideales, luego fantas铆as, y despu茅s regresa a una realidad, no tan grata, pero realidad al fin y al cabo鈥.
La instalaci贸n tiene una dimensi贸n de 6.75 x 6.75, y formar铆a un cubo perfecto si su altura igualara el ancho y el largo.
Santiago Leal admite que sus trabajos siempre son cuadrados. Desde sus primeras obras, que consistieron en intervenciones en espacio abierto, donde trabaj贸 la escultura ef铆mera con materiales como hielo, agua y arena, pasando por la construcci贸n de cubos casi invisibles hechos de hilo, llenos de aire, o a base de leds, trabajando con el objeto c煤bico encontrado, y llegando a usar el cubo como soporte de cuerpos m谩s sutiles como el velo de novia, el artista siempre est谩 mostrando lo ilusorio de su geometr铆a. 鈥淧ara m铆, la ilusi贸n perfecta es el cubo perfecto. Es la 煤nica figura que, de manera macrosc贸pica, s贸lo existe por la mano del hombre. Lo 煤nico que diferencia al ser humano del resto de los animales es, en resumidas cuentas, la ilusi贸n鈥. Never Die Alone, como dijimos, no es un cubo perfecto, pero la instalaci贸n si compone una forma c煤bica. Una masa de hombres lista para ser penetrada.
Inauguraci贸n:
Jueves 30 de Junio 7:00 pm
N-ce Arte. Carrera 5 # 26-76. Bogot谩
Nuestro Invitado especial de la edici贸n n煤mero 12 Brasil en part铆culas acaba de realizar un nuevo proyecto en el mismo pa铆s latinoamericano, esta vez en la ciudad de R铆o de Janiero.
Convocado nuevamente por el curador David Quiles Guillo, Tofer Chin particip贸 en 庐Nova 2011, la tercera versi贸n del proyecto art铆stico.
Este video registra momentos cumbre de 庐Nova 2011 e incluye una revisi贸n general del proceso de montaje de la obra de Chin.
ROJO庐Nova Cultura Contempor芒nea, Rio de Janeiro #1 from ROJO on Vimeo.
Fourteen Black es una instalaci贸n al aire libre compuesta por catorce esculturas hechas de acr铆lico y madera con dimensiones variables. El espacio donde se incrustan es el Parque Lague, en la ciudad carioca.
En palabras de Chin, estas esculturas negras, reminiscentes a estalagmitas, son formas vivientes que habitan a lo largo del entorno exuberante que rodea la Lagoa dos Patos ubicada dentro del parque.
Seg煤n el artista, el espectador tendr谩 una sensaci贸n de descubrimiento y novedad al ver la obra que se desarrolla en medio de una conversaci贸n entre el reflejo de la luz y la absorci贸n de la misma.
Para 茅l, sus estalagmitas son seres vivientes, fantasmas, esp铆ritus, vac铆os, sombras del bosque.
Lo cierto es que esta obra se muestra con un tono diferente al que se reconoce como propio de Chin; si bien se compone de figuras geom茅tricas muy propias de este artista (en especial las figuras c贸nicas), el escenario en que se presentan es completamente distinto: es un espacio absolutamente natural que contrasta con el car谩cter artificial que tiene el estilo de Chin.
Estas estalagmitas han tenido que entrar en el di谩logo m谩s respetuoso posible con el entorno virgen que las rodea, mientras que las otras esculturas de Chin se relacionan con un espacio intervenido por el hombre.
El color negro absoluto es muestra de lo cuidadoso del di谩logo, del respeto por la imagen propia del espacio, de la poca arrogancia con que el artista intervino el lugar que se le ofrec铆a. As铆 logr贸 Tofer Chin crear una relaci贸n silenciosa, armoniosa y hermosa entre su arte y la naturaleza.
Mat铆as Duville expone su obra actualmente en la Galer铆a Nueveochenta de Bogot谩.
EXCLAMA tuvo la oportunidad de reunirse con 茅l para hablar de sus procesos art铆sticos. Esto es lo que nos cont贸:
En general mi trabajo empieza a partir de una frase, una pregunta o 聽algo que determine un camino a seguir. Son peque帽os disparadores que en un principio trabajan sobre la transformaci贸n y la modificaci贸n, pero que luego llevan la obra hacia territorios lejanos.
驴C贸mo se mover铆a el humo si fuese agua?, 驴c贸mo luce un mar ca贸tico congelado, con sus olas petrificadas?,驴 que pasar铆a si el fuego no tuviese gravedad?鈥Esas son casi preguntas iniciales que dan curso a las obras . Siempre hay algo que impulsa el trabajo, si 聽no, no lo empiezo. Despu茅s la obra toma rumbo propio.聽El mismo trabajo me va dictando es el camino.
Normalmente cuando empiezo una obra siempre me cruzo con cosas que van a determinar el cambio. No trabajo con bocetos.
Toda esta serie de alguna manera 聽tiene que ver con la expansi贸n del mapa; esas 谩reas geogr谩ficas descampadas son para m铆 una expedici贸n hacia la lejan铆a. En estos trabajos hay mucho de 聽f铆sica y de qu铆mica.
Experimento sobre esas 谩reas geograf铆as鈥 por momentos creo que estoy dise帽ando mis propias cat谩strofes:聽鈥溾hora quiero que venga esta piedra y se eleve鈥 ahora quiero que el agua se mueva como el fuego鈥 ahora el r铆o se congela鈥︹. Es el grado de expansi贸n del dibujo.
Hay dos visiones contrarias sobre tu obra: una habla de creaci贸n y la otra habla de destrucci贸n. En cuanto a creaci贸n, se habla de las posibilidades de formas reales y naturales para componer un mundo fantasioso.
De alguna manera en estas obras hay una pulsi贸n de transformaci贸n; es un mundo que est谩 producido a trav茅s de la destrucci贸n. Lo fant谩stico en realidad es producto de la proyecci贸n de la mente. Pero si alguien se detiene a analizar uno de estos trabajos, lo fant谩stico proviene de la mano de lo cotidiano. Claro, hay un corrimiento de la realidad tal cual la conocemos.
En esta pintura hecha de acr铆lico sobre aglomerado de madera, planteo primero la situaci贸n donde 聽va a suceder la obra鈥 Es como preparar el campo de batalla.
Luego hay una destrucci贸n del material con la parte trasera de un martillo. Las intervenciones que hago son de alguna manera un atentado contra m铆 mismo. Y esas intervenciones nos hacen encontrar nuevamente la madera, es entonces cuando recuerdo que se trata de un material.
Ficci贸n y realidad.聽Es un punto intermedio en el que, por un lado puedes ver las intervenciones como elementos que hacen parte de la escena planteada (como constelaciones, estrellas, etc), o como un agujero que devela 聽el material.
Dices que al empezar una obra no tienes un boceto para ella, 驴c贸mo ocurre eso cuando creas la obra directamente sobre la pared del espacio expositivo? Ah铆 no hay vuelta atr谩s鈥 Quedas al descubierto.
La verdad es que a la pared me adapt茅 naturalmente.
En 2005 ven铆a trabajando sobre papeles peque帽os y con color. De repente, descubr铆 que la carbonilla se acoplaba bien a mi manera de trabajar y empec茅 en blanco y negro sobre el muro.
Los trabajos en pared llevan un poco m谩s de tiempo simplemente por que son m谩s grandes鈥 es una cuesti贸n t茅cnica.
La arquitectura nos 聽abarca, y cuando empec茅 a hacer los dibujos sobre la pared sent铆a que realmente el gran tama帽o da la impresi贸n de incluirte en la imagen.
De ah铆 me fui a formatos de papel mas 聽grandes. Empec茅 estos trabajos y perd铆 tal vez el sentido de la escala. Yo los tomo como naturales, pero si uno lo analiza, son obras enormes.
Hay dibujos que sorprenden si son concebidos sin premeditar. De la obra Foco, por ejemplo, se podr铆a pensar que se tuvo en mente una idea del resultado final.
En realidad聽Foco se concibi贸 como el resto de los trabajos. Esta obra viene de la idea de que a alguien se le cae una linterna鈥 Es una linterna que cay贸 y encuentra en ese pasto inmenso una caba帽a, un auto, diferentes 谩rboles, piedras鈥
Podr铆a funcionar como un zoom out con una l贸gica imposible. La linterna ilumina el mundo al que pertenece. Se reproduce el mundo de la linterna otra vez cuando ella lo vuelve a se帽alar, y la escena podr铆a repetirse hasta el infinito.
Tiene algo de ese imposible. S铆 hab铆a una idea de micro/macro mundo, sin embargo yo tampoco sab铆a a d贸nde iba ese dibujo. Lo 煤nico que ten铆a que pensar era en la direcci贸n de la luz.
Algunas obras nos refieren a la pintura japonesa de paisaje. 驴Hay alg煤n referente en esa direcci贸n?
Bueno鈥 Me gustan los dibujos de Hiroshige. Las olas pueden tener algo de Hokusai, pero sobre todo, m谩s all谩 de eso, lo que me interesa es la combinaci贸n entre la fuerza bruta y la calma.
Esto es una roca gigante que est谩 explotando y es una escena ca贸tica, pero a la vez hay una cuota de aparente calma, que lleva a pensar que ac谩 se fren贸 el tiempo. Esa disyuntiva entre algo que est谩 hecho con violencia, pero que genera ese estado pac铆fico s铆 tiene que ver con lo oriental: la calma, el silencio, la par谩lisis del tiempo.
驴Qu茅 resulta tan atractivo de la naturaleza?
Me parece que la naturaleza es lo que ha estado siempre. Todos nosotros parecemos ser un invento鈥 quiz谩s somos hasta un artificio, un ser extra帽o sobre algo que se mueve despiadadamente y en misterio.
Es una fuerza de influencia, la fuente de caos inacabable. Y sostiene un sistema; mis dibujos tienen mucho de sistema.
Del caos natural conocido por todos, yo tomo una cuota y lo llevo a mis dibujos de una manera distinta. El dibujo se influencia de esto, pero la posibilidad de estar sobre un papel, tomar decisiones, y ser como omnipotente es lo que me atrae鈥 Despu茅s salgo del dibujo y soy un boludo m谩s鈥 (risas)
Poder ver el total que conocemos de fen贸menos extra帽os en la naturaleza me hace imponerle al papel ideas que vienen de distintos lugares y en ese sentido tiene que ver con la qu铆mica鈥 agarrar de un lado y del otro y generar un experimento con las partes. Creo que siempre hice lo mismo. Todo es un extra帽o experimento sin objetivo aparente.
El alcance de la mente es inmenso, es gigantesco. Uno por inercia tiende a humanizar esa naturaleza, a generarle un pensamiento, una l贸gica, pero la verdad es que no parece tenerla.
Visite tambi茅n la p谩gina del artista: www.matiasduville.com
Escrito por: Daniel Pardo
Fotograf铆a por: Juan Daniel Taboada
驴Quiere conocer m煤sica nueva de nivel? Entonces lea esta cr贸nica sobre el Great Escape Festival, el festival de m煤sica nueva m谩s grande de Europa.
A todas las personas que les mostr茅 el lineup del Great Escape Festival les pareci贸 una desventaja no conocer a ninguna de las bandas. En t茅rminos literales, ni el m谩s juicioso de los mel贸manos en Colombia conocer铆a al menos el uno por cierto de las trescientas bandas que se presentaron en este festival. Y eso, despu茅s de una primera mirada, de una mirada colombiana que prefiere a un malo conocido que a un bueno por conocer, era una desventaja: al fin y al cabo, 驴qui茅n quiere ver una banda que no conoce? Pero result贸 que no conocer a ninguno de los grupos fue, precisamente, la ventaja.
Perm铆tame, se帽or lector, empezar de nuevo: el mundo es un lugar mon贸tono, injusto, miserable. Eso nadie lo puede negar. Uno empieza la semana, metido en este lunes gris谩ceo por el que la gente divaga con la cara hacia el piso, y mira el iPod, mira iTunes, mira Last.fm. Y se encuentra con lo mismo de todos los d铆as: un grupo ya conocido, un sonido fuera de contexto que recomienda la emisora, un tranc贸n depresor. Y sigue la vida, afligido, porque no tiene otra salida.
El Great Escape Festival, en Brighton, fue para m铆 una salida: una prueba de que no todo en este mundo me aburre. S铆, es una experiencia personal: a m铆 todo me aburre y tal vez a usted no. Pero, en cualquier caso, este festival no aburre ni a Adolfo Zableh. Porque cada detalle est谩 bien puesto: porque est谩 perfectamente curado y todos los grupos argumentan su presencia. Hace mucho tiempo que no me gustaba tanto un evento; no le veo nada de malo, ni una espinita, a este festival que desde hace seis a帽os da a conocer nuevos grupos. Ahora bien: la idea no es novedosa: desde 1987 se realiza en Texas el South By Southwest, un festival de cine, m煤sica e ideas exclusivamente nuevas.
Dicen, pues, que el Great Escape es la respuesta brit谩nica al SXSW. Y qu茅 respuesta. Brighton, casa del festival hace dos a帽os, es una de las pocas ciudades alegres de este l谩nguido pa铆s: est谩 el mar, est谩 el parque de diversiones en el muelle, est谩 la playa de piedritas que no ensucia, est谩n las calles angostas, est谩n los jardines en cada esquina. No hay manera de que Brighton en primavera no le mejore el genio al alica铆do.
Y m谩s si lo recibe con buena m煤sica. Con dificultad le podr铆a hacer entender al lector la satisfacci贸n que genera ver tanto talento en dos d铆as. Perm铆tame no tratar, por favor. Porque, primero, esto no es lo mismo que ir a Glastonbury y ver a los Cold Plays y a los Radioheads. Esto es, m谩s bien, como encontrar un diminuto restaurante escondido en una calle desapercibida donde sirven la que para uno es la mejor comida del mundo. Es como encontrar, por fin, a su escritor favorito y no quererle decir a nadie. Se siente puro, genuino y los m煤sicos son de carne y hueso. Es como cuando uno, precisamente, encuentra una canci贸n nueva que no puede ni quiere dejar de o铆r.
As铆 estoy yo en este momento, despu茅s de haberme bajado toda la m煤sica que vi en el Great Escape: no puedo parar de o铆rlos un minuto, y ni siquiera me importa quemarlos o d谩rselos a conocer al lector. As铆 que aqu铆 vamos: est谩, por ejemplo, Yaaks, un grupo de hipsters tra铆dos del sureste de Inglaterra que tocan cl谩sico indie derivado de Francis Ferdinand con la cl谩sica energ铆a de este siglo.
Est谩, tambi茅n, We were evergreen, tres parisinos de no m谩s de 25 a帽os que 鈥揷on una guitarra, un cuatro, y la marimba de Fabianne, una de esas francesas flacas, id铆licas, sencillas, pelinegras鈥 le alegran el d铆a a cualquier amargado.
Despu茅s de que me negaran la entrada al evento principal de ese d铆a 鈥揷on Friendly Fires en el escenario, entre otros鈥 entr茅 por accidente a uno m谩s de los veinti煤n recintos musicales. Vestida con un gab谩n negro de metalero, saco de capucha gris y sudadera de ni帽o, la poetiza Kate Tempest 鈥揹e veinticuatro a帽os pero con cara de quincea帽era鈥 ten铆a a unas doscientas personas con la boca abierta a punta de los versos que rapeaba a capella. No tengo nada m谩s que decir sobre ella y su grupo, que lanzar谩n un disco el pr贸ximo mes: v茅alos, y entender谩 por qu茅 es mejor dejarlo sin adjetivos calificativos.
Acto seguido, entr茅 a una iglesia de peque帽a escala, donde el se帽or James Vincent McMorrow y su guitarra y su voz tra铆da de no s茅 d贸nde mantuvieron por al menos una hora a ciento cincuenta personas en perfecto silencio. A 茅l y a sus sencill铆simas composiciones tambi茅n los vi tambi茅n al pie del mar. Se reivindica en el mundo el g茅nero patentado por Bob Dylan: un tipo humilde y t铆mido que deleita al mundo con su voz y su guitarra.
Despu茅s fue el grupo Villagers, otros j贸venes que hacen m煤sica para adultos en la l铆nea de la banda sonora de Into de Wild. El disco de Villagers, Becoming a Jackal, grabado en el norte de Irlanda, es el que no puedo parar de o铆r, porque, por un lado, me identifico con el tono y las letras, y porque, por el otro, me hace pensar que la m煤sica irracional y estrafalaria 鈥搇l谩mele Drum and Bass, ll谩male Lady Gaga鈥 no es lo 煤nico que nos ofrece la industria de la m煤sica hoy en d铆a.
Perm铆tame, amable lector, volver a empezar: el mundo de hoy es como un calentado mal hecho: abigarrado, maloliente, sin sal. El Internet bati贸 a la tierra como si fuera un jugo de naranja reposado: lo revolvi贸, lo abigarr贸. Y tambi茅n lo hizo con la m煤sica, cosa que en este festival se not贸 a leguas: no hay grupo de los invitados que no tenga una estrategia de internet concreta y pensada seg煤n su p煤blico, sea para regalar o para vender su m煤sica. Encima de los 300 conciertos, el Great Escape le pone a uno m谩s de cincuenta conferencias con expertos en tecnolog铆a y en el negocio de la m煤sica. Hoy la m煤sica, as铆 suene desafortunado, viene con una avalancha de eventos que est谩n en la red, y cualquier que quiera ser m煤sico lo tiene que saber y entender. Y de ah铆 la pertinencia de las conferencias.
Tanto cambi贸 el internet a esta industria, que los rockstars de hoy son adolescentes que a duras penas saben cantar, como la se帽ora Gaga y el ni帽o Bieber. Si fuera en el mundo de hace treinta a帽os, ninguno de ellos habr铆a alzando semejante fama que tienen. As铆 que, por favor, perm铆tanme dejarles una conclusi贸n a los que est谩n en el plan de ser rockstars: o son Justin Bieber, o son Conor J. O Brien, el t铆mido, enano, humilde y tranquilo l铆der de Villagers, el grupo que, como dec铆a, no puedo parar de o铆r. Ustedes ver谩n.
El artista Juan Fernando Herr谩n presenta actualmente en N-Ce Arte su obra Espina Dorsal, una aproximaci贸n muy interesante a la situaci贸n material y social de la ciudad de Medell铆n.
El descubrimiento de la escalera como motivo repetitivo manifiesta un s铆mbolo no evidente, pero presente en el imaginario colectivo de los habitantes de algunas zonas Medell铆n.
Esta es Espina Dorsal en palabras del propio artista:
El Museo de Antioquia y la Secretar铆a de Cultura de Bogot谩, en combinaci贸n con el Encuentro Internacional de Arte de Medell铆n generaron unas becas para que artistas de Bogot谩 hicieran proyectos que tuvieran una relaci贸n espec铆fica con la ciudad de Medell铆n.
Yo fui con 谩nimo experimental a buscar un indicio de algo que estuviera vinculado con la escultura p煤blica, principalmente por el hecho de que en Medell铆n hay una fuerte presencia de este tipo de escultura que caracteriza a esta ciudad de una manera mucho m谩s fuerte que cualquier otra ciudad en Colombia. El tipo de escultura p煤blica que se desarroll贸 en Medell铆n estaba muy relacionado con la escultura moderna y monumental.
Yo quer铆a coger ese concepto y hacer un contrapunto desde los barrios marginales鈥 Un contrapeso de la confirmaci贸n oficial (de empresa, de ciudad, de urbanismo, de planeaci贸n 鈥) con una serie de expresiones que fueran paralelas, pero que tuvieran una dimensi贸n completamente distinta.
Lo que empec茅 a ubicar en los barrios marginales fue la construcci贸n de senderos y escaleras, dispuestos como espacio p煤blico; como todos estos barrios son barrios piratas o de invasi贸n, los trazados que despu茅s terminan siendo el espacio p煤blico son realizados por la misma gente que va llegando. Su conformaci贸n no est谩 dada por la planeaci贸n, sino simplemente por la necesidad vital de ubicarse en un lugar.
La mayor铆a de estos barrios que estuve recorriendo por m谩s de un a帽o y medio, son barrios subnormales de Medell铆n y quedan en la parte alta. A medida que avanzaba, me di cuenta que el elemento de la escalera se hab铆a conformado de manera autom谩tica por la gente y las l铆neas creadas por los habitantes se mantienen.
Empec茅 a encontrar que la relaci贸n que exist铆a entre el espacio p煤blico (que puede ser simplemente el sendero principal) y cualquiera de esas casas, es una articulaci贸n fascinante en t茅rminos formales y simb贸licos.
Se empieza a ver entonces una cantidad de estructuras que son interesant铆simas en s铆 mismas, y que denotan toda una actividad constructiva de la gente que va llegando a esos barrios.
Entend铆 que la escalera era tambi茅n un elemento de la cultura de todos estos barrios: Es muy fuerte, muy presente, y tiene adem谩s unas resonancias simb贸licas que son las que finalmente desarrollo tanto en las fotograf铆as como en las esculturas.
Todo parte de un trabajo de campo, en el que recorro estos lugares, hago anotaciones fotogr谩ficas, dibujos鈥 despu茅s empiezo a reelaborar estas articulaciones entre lo p煤blico y lo privado para dar finalmente con esta serie de fotograf铆as de nombre Escalas que retratan el valor simb贸lico de la escalera.
Comienzo a trabajar la parte escult贸rica porque me di cuenta que hab铆a un componente m谩s espacial que yo quer铆a explorar, y que las fotograf铆as, aunque lo sugieren, obviamente no lo contienen. A partir de esas im谩genes fotogr谩ficas, hice una serie de maquetas para entender espacialmente qu茅 es lo que significaban esas articulaciones.
Todos estos modelos est谩n en las fotograf铆as porque a m铆 me interesa que las piezas tengan un v铆nculo con la realidad. Yo no quiero inventarme nada, pues toda esta riqueza ya est谩 dada por lo que hizo la gente.
La exposici贸n se llama Espina Dorsal porque la primera gran pieza escult贸rica que produce el proyecto tiene ese nombre. Esta pieza se presenta aqu铆 en fragmentos que se pueden conectar para configurar una gran estructura.
Para m铆 es muy importante que estas piezas guarden una similitud con los procesos que hace la gente鈥 que tengan un mismo lenguaje.
Espina Dorsal reelabora la idea de un eje central de donde surgen todas las entradas a casas particulares. Cada escalera que sale a un lado o al otro da acceso a un lugar privado.
Si se tiene toda la pieza original ensamblada, lo que se va a ver son las casas a un lado y al otro, que es lo que ocurre en la realidad: La escalera parecer铆a no llevar a ning煤n lado, pero hay elementos ic贸nicos que permiten identificar qu茅 es lo que se est谩 viendo.
Los palos determinan los parales de las puertas, y de hecho tienen el ancho de las puertas originales. 脡sa es la referencia que delimita el espacio interior del espacio p煤blico: la l铆nea entre esos dos espacios es muy ambigua en estos barrios porque el espacio es muy maleable. Cada vez que alguien construye su casa, toma un poco del espacio p煤blico y se apoya en 茅l. Esa maleabilidad del espacio p煤blico es muy interesante; es un resultado del influjo de la gente, tiene sus limitaciones, sus contradicciones, sus cosas no funcionales鈥 pero tambi茅n es una huella del proceso social.
N-CE Arte es el sitio perfecto para mostrar las obras, pues 茅stas tienen una relaci贸n muy fuerte con la arquitectura. Yo necesitaba un espacio amplio e interesante a nivel arquitect贸nico, y estuve trabajando buscando relaciones y contrapuntos entre el espacio y la obra.
Esta es la 煤ltima pieza de la serie. Tiene una intensi贸n diferente a la de las otras, tanto en su forma, como en las inquietudes que est谩 desarrollando. Despu茅s de mucho tiempo, para m铆 el tema de la inclinaci贸n de la escalera se volvi贸 muy importante porque a mayor inclinaci贸n se puede llegar m谩s r谩pido a un punto deseado pero con necesidad de mucho m谩s esfuerzo, o viceversa.
Hay una relaci贸n entre inclinaci贸n y esfuerzo muy arraigada en la gente que habita estos lugares. (Sin 谩nimo de simplificar) la vida de estas personas se resume en muchos aspectos a un esfuerzo constante, perseverante, f铆sico donde el cuerpo es el agente del progreso.
Est谩 construida por pares de tablas iguales: en los extremos hay unas maderas muy finas que denotan una cierta comodidad. Las siguientes piezas se van inclinando y la madera va cambiando de la m谩s fina, a la m谩s ordinaria. Aqu铆 convivir铆an entonces una serie de gestos corporales que responden a estratos sociales distintos.
Esta es la 煤nica fotograf铆a que presenta un interior, pero incluso ah铆 est谩 una escalera como una constante. Es una casa obviamente muy humilde, pero todo ah铆 est谩 organizado, cuidado y apreciado. El blanco es perfecto. Es un universo de una complejidad total por un lado, pero tambi茅n es asombroso. Quien vive aqu铆 tiene todo lo m谩s primario que necesita una persona y lo tiene perfecto.
Im谩genes cortes铆a de: SPACE
鈥…..Red is not more beautiful than blue … It is a matter of relevance.鈥 SPACE
Tener una menci贸n en la lista de los 50 mejores restaurantes del planeta (que en realidad se extiende a los mejores 100) es hoy en d铆a mucho m谩s prestigioso para estos templos del buen comer que contar con 5 estrellas. Cuando la Britain鈥檚 Restaurant Magazine emite su veredicto, los restaurantes que aparecen en la lista tienen un incremento vertiginoso en la afluencia de comensales.
Un par de horas despu茅s del anuncio que ubica a Noma como el mejor restaurante del mundo, sus mesas ya estaban reservadas en su totalidad por los pr贸ximos tres meses.
Noma renueva鈥 renueva la cocina n贸rdica鈥 renueva la ciudad. Se encuentra en Christianshavn, una antigua zona de Copenhague. Es un espacio que renace de las cenizas de una vieja bodega y se concluye en un dise帽o vanguardista, natural, org谩nico, que escapa a los c谩nones actuales que mucho retoman el estilo moderno.
Esto es elegancia sin exhuberancia; una mezcla del modo positivista de l铆neas puras y colores planos con elementos antiguos, envejecidos, r煤sticos, llenos de textura y de historia.
El dise帽o y la renovaci贸n arquitect贸nica de Noma estuvieron a cargo del d煤o dan茅s SPACE. Esto es lo que nos cuentan sobre su proyecto:
1. 驴Qu茅 tuvieron en mente cuando escogieron este estilo para el restaurante? Cu茅ntennos un poco de su inspiraci贸n para el proyecto.
Era importante que el resultado fuera muy aut茅ntico y org谩nico. Quer铆amos reinterpretar los valores n贸rdicos tradicionales: lo limpio, lo directo y sin embargo po茅tico, y sin ninguna basura sobre sensualidad.
Fue necesario tener plena conciencia del contexto local, y a la vez ambici贸n para que Noma cobrara dimensiones globales.
Tuvimos un acercamiento honesto (natural) con los materiales que usamos y con la est茅tica que 茅stos exig铆an.
2. 驴Exploraron nuevos conceptos, nuevas estructuras o nuevos materiales que no hubieran usado anteriormente? De ser as铆, 驴c贸mo encontraron esta experiencia de innovaci贸n?
En Noma usamos t茅cnicas experimentales con artesanos profesionales; desde pigmentaci贸n con amoniaco para la madera hasta madera oscura escandinava natural original.
Empleamos estrategias de luz y color para lograr diferentes juegos de sombras. Logramos crear unos tonos tierra venidos de la iluminaci贸n.
Finalmente estuvimos en un proceso art铆stico de remover, preservar y resaltar la estructura original. Fue este trabajo de restauraci贸n el que m谩s nos impresiono pues, como modernistas, fue un verdadero nuevo placer enfrentarnos con la 鈥渓entitud鈥 de los antiguos m茅todos artesanales. Parte primordial en el dise帽o fue resaltar la textura y los materiales que ya estaban ah铆, en ese edificio de m谩s de 250 a帽os.
3. 驴C贸mo se conecta el concepto del Restaurante Noma, en t茅rminos culinarios con las decisiones que SPACE tom贸 en lo que respecta al dise帽o?
Establecimos los valores y la expresi贸n del dise帽o en un di谩logo cercano con Ren茅 Redzepi, jefe de cocina de Noma. Nos enfocamos en un estilo esencial, tal como lo es la comida n贸rdica. La estrategia espacial es una analog铆a a la propuesta culinaria.
4. 驴Qu茅 diferencia este proyecto del resto de trabajos que han hecho?
- Los restaurantes siempre se benefician de tener inscritos aspectos seductores. En este caso, en contraste con muchos otros ejemplos, la Seducci贸n no es un valor a帽adido, sacado de alguna fuente externa. Ac谩, la Seducci贸n est谩 directamente ligada a la filosof铆a de la comida. El espacio sirve como propulsor de sensaciones y emociones que evocan de la misma composici贸n, estructura y presentaci贸n de la comida.
- Hay una dualidad po茅tica: lo pesado vs. lo ligero (aplicado a las texturas, a los colores, a la luz, a las proporciones). Ejemplo de esto es el edificio hist贸rico industrial, pesado y denso, contrastado con un mobiliario esbelto, sutil y discreto que tiene un acabado refinado y natural.
En general nuestros proyectos son desarrollados individualmente. Cada uno de ellos se esfuerza por entender desde adentro la visi贸n y la mentalidad de nuestros clientes. Recurrentemente trabajamos y componemos nuestros conceptos desde la perspectiva de la destilaci贸n y la cat谩lisis.
Escrito por: Alejandra Medina
Manizales, 2011
En la semana del 12 al 16 de abril se llevo a cabo el 10 festival internacional de la imagen en Manizales. Como es recurrente artistas de toda Colombia y el mundo, se dieron cita en una ciudad que una vez al a帽o explota el tema de la imagen, por medio conferencias, conversatorios y exposiciones de artistas invitados que transportan su obra, para deleitarnos durante una semana con instalaciones, video, fotograf铆a, cine y la siempre presente muestra de sonido experimental; un ambiente en el que la ciencia y tecnolog铆a mantienen el hilo conductor de gran parte de las exposiciones. En este entorno no solo se debate la creaci贸n art铆stica en el momento actual, pero tambi茅n produce una interacci贸n definitiva entre artistas, estudiantes y te贸ricos.
As铆, los d铆as en Manizales transcurrieron entre las c谩tedras de V铆ctor Margollin, reconocido cr铆tico de arte y arquitectura, Anna Calvera dise帽adora gr谩fica y doctora en critica arquitect贸nica y Eduardo Russo cr铆tico de cine. Igualmente los reconocidos artistas brasileros Rejane Cantoni y Leonardo Crescenti (protagonistas de la pasada edici贸n de EXCLAMA 鈥淏RASIL EN PARTICULAS鈥) conmovieron a los asistentes con su instalaci贸n 鈥淔ALA鈥; compuesta de varios dispositivos m贸viles implantados de manera envolvente, 鈥淔ALA鈥 profundiza en el tema de la interacci贸n entre el hombre y la maquina. De esta manera por medio de un micr贸fono central, los visitantes al pronunciar alguna palabra, ve铆an reflejado en la distintas pantalla traducciones y sin贸nimos de esta misma, creando as铆 un dialogo tangible entre el visitante, y los dispositivos instalados.
Por otra parte Tulio Restrepo, se destaco con su obra “C贸digo Postal鈥 鈥 referente a la muestra Internacional de Archivo de Mail Art, al igual que la video instalaci贸n de Rosangela Ren贸 鈥淭URISTA TRASCENDENTAL鈥. En la muestra de media art se expuso obras con diversos intereses: el proyecto 鈥渃orazonada鈥 de Andr茅s Murcia, Angie Ruiz, Paola Albao y Danilo Arias proponen una instalaci贸n la cual pretende generar una forma de entretenimiento a partir de las respuestas vitales del ser org谩nico, cambiante y sonoro que est谩 en nuestro interior haci茅ndolo as铆: visible y evidente. Igualmente se exhibi贸 el proyecto 鈥淏ogot谩 Viral鈥 de los autores Emilio Zapata y Juan Ricardo Rinc贸n con la colaboraci贸n de Zamira P谩ez. 鈥淏ogot谩 Viral鈥 es una instalaci贸n interactiva en el que los autores le dan una interpretaci贸n org谩nica a los flagelos de la vida urbana. As铆 por medio de la fusi贸n de mapas y la presentaci贸n de cifras por medio de agrupaci贸n de part铆culas, 鈥淏ogot谩 Viral鈥 enfrenta al espectador a un choque perceptual. De la misma manera se destaco el proyecto 鈥渁lucinaciones digitales鈥 de los autores Sebasti谩n pedreros, Guillermo pacheco y Santiago N煤帽ez. 鈥渁lucinaciones digitales鈥 por medio de sonido binaural y captura y procesamiento de im谩genes, simula irrealidades auditivas y visuales, creando un espacio inmersivo, que ocurre dentro de un escenario de violencia. Este escenario busca sensibilizar el enfoque de la guerra en Colombia en el 谩rea urbana.
Manizales, esta ciudad aunque peque帽a, se empieza a perfilar, como un lugar recurrente para la congregaci贸n de ideas y sabores culturales y art铆sticos; planteados por la cultura contempor谩nea, las multiplicidades y bondades tecnol贸gicas y virtuales que se calan hoy por hoy en el mundo. Tal vez el imaginario de muchos est谩 en una cultura, llena de toros y feria.
Pero ante esto se sobrepone, un lugar lleno de texturas e im谩genes extravagantes. Un espacio ideal para discutir la creaci贸n art铆stica contempor谩nea.
Musica por: Bag Raiders – Not Over
… porque se acaba el festival!. No, definitivamente nadie llev贸 su reloj a Est茅reo Picnic para estar pendiente de la hora. Si alguna cosa hac铆a que la gente llevara la mirada hacia sus mu帽ecas, era la impaciencia porque empezara a tocar alguna banda esperada.
En una 茅poca donde se tiene acceso a la hora en los celulares, en los iPods, en los computadores, en la calle, en el transmilenio鈥 cabe preguntarse porqu茅 este objeto venido de 茅pocas ancestrales sigue siendo usado con tanto fervor. Una respuesta salta a la vista: su valor visual, su poder de accesorizar.
En los 煤ltimos decenios, la cultura occidental ha viajado simult谩neamente por dos v铆as, aparentemente contradictorias, y que sin embargo cohabitan:
Por un lado est谩 la importancia de lo visual, el adquirir m谩s para sentirse mejor, para sentirse m谩s bello. Por otro lado, la tendencia de lo que no sirve, que no estorbe.
驴C贸mo sobrevive el reloj a estos escenarios? El truco est谩 en no ser un objeto excesivo, en su poder de transformaci贸n hasta el infinito para adaptarse al estilo de cada usuario, y adem谩s de brindar funcionalidad.
Si en Est茅reo Picnic la gente us贸 relojes y a la vez no le interesaba la hora, es por el valor que este objeto le agregaba a su propuesta personal. Incluso es un hecho (y nadie puede refutar) que hay quienes compran un reloj an谩logo sin siquiera saber leerlo, simplemente porque les gusta. 驴Qui茅n dice qu茅 no?, si el modo digital no les resulta igual de coqueto.
Las tendencias que vimos en Est茅reo Picnic fueron tan variadas como las personalidades de los propios asistentes:
La explosi贸n de color fue dominante. Los relojes llamaban al ojo a gritos.
Esta tendencia juvenil, juguetona y sin embargo sofisticada, est谩 presente tambi茅n en la elecci贸n del tono dorado, muy popular en el festival. Y es que un poco de bling bling ordinario, usado en sus justas proporciones, quita la seriedad y brinda un toque bastante divertido.
Otros un poco m谩s conservadores, se fueron por un estilo cl谩sico pero atemporal, con propuestas que replantean el legendario modelo Tank de Cartier, baj谩ndole al color con algo m谩s serio, m谩s lujoso.
Algunos relojes son experimentales y atrevidos. Unos son grandes y pesados, mientras que otros sencillos y ligeros. Algunos son arrogantes y exigen ser vistos, y otros son m谩s t铆midos y quieren pasar desapercibidos.
Queda demostrado que con tanta versatilidad en estilos, la practicidad del reloj es s贸lo una excusa para llevarlo. S贸lo nos queda una cuesti贸n a la que no hemos encontrado respuesta, 驴porqu茅 siempre se cierra el pu帽o para ver el reloj?.
M煤sica: Cansei de ser sexy (CSS) – Let’s make love and listen to death from above
Las gafas se usan para esconder un rostro, un sentimiento, para pasar inc贸gnito. Unas gafas se pueden volver una identidad, es tal el caso de grandes figuras como Karl Lagerfeld, quien no se quita sus lentes cuando habla con extra帽os para no ser vulnerado, o como Jack Nicholson, quien afirm贸 鈥渃on gafas soy Jack Nicholson, sin ellas soy un gordo de 60 a帽os鈥. Las gafas protegen los ojos, conocidos popularmente como las ventanas al alma.
Catalina Garc铆a de Monsieur Perin茅
Pero hay otra variante del uso de las gafas que es completamente opuesta al concepto anterior: muchas veces quien escoge un par de lentes, lo hace para resaltar, para llamar la atenci贸n y es en este punto donde las gafas, en vez de esconder revelan, y lo que muestran es una decisi贸n de estilo.
Nunca se usa gafas porque s铆. Ellas siempre complementan la ropa que se lleva para cerrar con broche de oro una vestimenta. Tanto es as铆, que el sol puede ser s贸lo una excusa para lucirlas, nunca una condici贸n.
Y es que hablando de gafas poco importa la marca; simplemente se trata de que la persona que las va a usar sepa qu茅 le queda bien.
En el Festival Est茅reo Picnic nos encontramos con gente que conoc铆a la sencilla pero enga帽osa ciencia del lente. Para estas personas, la nube negra que se levantaba en el cielo no era un impedimento para lucir sus gafas, como tampoco lo era la promesa de lluvia o la llegada de la noche鈥 la falta de este accesorio poderoso pod铆a hacer que la ropa escogida perdiera toda gracia, que las caras se vieran p谩lidas, que las ojeras se revelaran, que quien se las hubiera quitado quedara desnudo.
Paula Barrientos de Sexy Lucy
Las hubo de todas las variedades: de lentes con reflejo o de lente opaco, de lente transparente por prescripci贸n o como simple complemento de un look, de tonos estridentes o m谩s conservadores, a veces cortando con la ropa para generar contraste, y a veces en perfecto acorde.
Se evidenci贸 que la tendencia retro sigue viva y lo seguir谩 estando por mucho m谩s tiempo. Este estilizado viaje al pasado es delicado y refinado: estampados, colores fuertes y lentes gigantes decoraron rostros femeninos. Pero algunos no se contentaron con tener algo referente al pasado, sino que sus gafas vinieron directamente de otros tiempos, para hacer una afirmaci贸n vintage. En contraste, de tendencia futurista no hubo mucho. Tal vez a Bogot谩 no le encanta eso, pero definitivamente s铆 experimenta con estilos poco conservadores.
La muy afamada marca Ray-Ban, por su parte, bail贸 con paso fuerte en el festival, acompa帽ando looks andr贸ginos. Estas gafas no hacen discriminaci贸n de g茅nero. Algunos m谩s atrevidos se lanzaron con un look tipo John Lennon, donde verse 鈥渓indo鈥 no es lo m谩s importante. Otras chicas en cambio, escogieron aquellas gafas que las hacen sentir m谩s bonitas.
De toda esta gama s贸lo se dibuja la conclusi贸n de que hay un par de gafas para cada cual. Simplemente hay que saber escoger y recordar que no se trata de seguir la tendencia, sino de conocerse para saber qu茅 le queda bien a uno y qu茅 no.
EXCLAMA habl贸 personalmente con los creadores de JUAN鈩, una marca trasgresora en el mundo de la moda masculina en Colombia.
Entramos en el mundo de los hermanos Viviana y Gustavo Lozano, creadores del proyecto, quienes han visto a JUAN crecer desde beb茅 hasta ser un adulto joven, exitoso y muy guapo.
Esto fue lo que nos contaron:
驴Qu茅 los motiv贸 a empezar el proyecto?
G: Fue hace 4 a帽os cuando los dos est谩bamos terminando de estudiar. Quer铆amos hacer un proyecto juntos. Est谩bamos en ciudades diferentes y dijimos, 驴qu茅 vamos a hacer?. Ten铆amos ya conocimientos de dise帽o de modas y de dise帽o industrial.
Entonces se nos ocurri贸 hacer una marca de ropa pues siempre nos hab铆a gustado much铆simo la moda y girar alrededor de ella.
Empezamos haciendo un laboratorio de ideas y naci贸 la marca de hacer pruebas, ensayos. Empezamos a hacer prendas, a confeccionar, a estampar, y ah铆 fue cuando empez贸 todo.
驴C贸mo ha sido la experiencia de trabajar con otra persona para llegar a un producto, sabiendo que no siempre es f谩cil estar de acuerdo?
V: En realidad creo que desde el principio nos entendimos muy bien en esa parte. Tenemos la misma est茅tica y siempre hemos tenido una relaci贸n donde las opiniones se complementan.
G: Si tenemos ideas encontradas, siempre est谩n encontradas hacia lo positivo de manera que se enriquecen mutuamente. Siempre hay mucha conexi贸n. Hacemos reuniones de dise帽o donde complementamos la visi贸n del otro. Todo lo manejamos a la par鈥 los dos en la misma onda.
驴C贸mo ven la moda colombiana en general y c贸mo se ubican ustedes dentro de ese campo?
G: Yo creo que est谩 en un momento de evoluci贸n, de cambio. Y no s贸lo la moda, sino tambi茅n todas las 谩reas creativas. Es como un boom que ya lleva un tiempo y no se ha desarrollado del todo. Siento que es un buen momento para explorar, para proponer, para cuestionar un poco a la gente sobre qu茅 es vestirse, qu茅 es proponer. Es una momento perfecto para generar nuestra marca.
De cualquier manera es romper con la tradici贸n de grandes nombres dentro del mundo de la moda con una propuesta mucho m谩s urbana, m谩s joven.
V: Eso es de hecho algo que nosotros quisimos empezar a desarrollar: darle un protagonismo no a nuestro nombre personal, sino a la marca. Que JUAN no sea importante por quienes la producen, eso es lo que menos importa ac谩. El protagonista es JUAN. Nosotros no queremos destacarnos, ni que la gente nos conozca con nombre propio. 脡l es el que est谩 creciendo y 茅l es el importante.
驴De d贸nde viene el nombre?
G: JUAN es un personaje imaginario que creamos para desarrollar el crecimiento de la marca y proyectarla a futuro, siendo 茅l la imagen con la cual los hombres que vestimos se van a sentir identificados: JUAN, la persona que mejor se viste, que tiene un estilo incre铆ble.
驴Sus dise帽os vienen de alguna concepci贸n de estilo de vida?, 驴Cu谩l es el estilo de vida de JUAN?
V: En realidad la imagen que tenemos de JUAN es la de un hombre que no est谩 encasillado. JUAN es elegante, le gusta vestirse bien, sentirse c贸modo. Le importan los detalles.
G: Es una persona muy equilibrada: no pasa a vestirse m谩s all谩 ni m谩s ac谩 de c贸mo se debe vestir.
No tiene un g茅nero de m煤sica espec铆fica. El prototipo JUAN m谩s bien no es ning煤n prototipo. Ni es un roquero, ni es un chico indie, ni nada. Es alguien que se preocupa por su forma de vestir, por como se ve, por la imagen que proyecta, sin ir m谩s all谩.
Est谩 siempre muy de acuerdo a las miles de situaciones en las que cualquier individuo est谩; desde hacer deporte hasta ir al trabajo, hasta estudiar, hasta viajar, hasta estar en un crucero鈥
V: Es coherente con las ocasiones de uso, y aprovecha cada una para vestirse y sentirse bien, seguro est茅 donde est谩 y haciendo lo que est茅 haciendo. Estar en la casa, leer el peri贸dico, ir a un museo o a un concierto, siempre est谩 acorde con lo que la ocasi贸n de uso le exige.
En el mundo del dise帽o existe la teor铆a que dice que estilo no es s贸lo la escogencia de una serie de elementos, sino la forma en que los individuos se ponen en la escena, sea cual sea.
G: Si, hay muchos dise帽adores a nivel local que manejan una est茅tica saturada. Pienso que eso no tiene coherencia; se satura la imagen para una situaci贸n que no lo merece. Uno puede ir a un desfile con una imagen completamente extravagante, pero no puede estar igual de extravagante un domingo para ir a caminar a la calle.
Hay gente que maneja una misma est茅tica para todas las ocasiones de uso, y no sirve. Romper con eso es parte de nuestra propuesta.
El tiempo cambia, y la ciudad se mueve, 驴Ha cambiado la propuesta de JUAN a trav茅s del tiempo, o se ha mantenido?
V: La est茅tica siempre ha estado muy clara en nuestra cabeza, y eso es lo que hemos venido desarrollando. JUAN siempre ha sido el mismo desde el principio.
A veces preferimos unos materiales, otras veces cambiamos las siluetas o las paletas de colores. Siempre estamos buscando una nueva inspiraci贸n; a veces nos inspiramos en cosas muy intelectuales, y a veces en un momento, en una canci贸n, eso s铆 var铆a mucho. Pero JUAN siempre ha sido igual鈥 siempre ha sido el mismo tipo.
驴Intentan implementar un nuevo concepto dentro de la cultura bogotana?
G: S铆 intentamos romper de una forma diplom谩tica con todo lo que se ha construido a nivel de moda en Colombia. Lo que hemos visto por mucho tiempo en cuanto a moda masculina son las casas extremadamente cl谩sicas, que no proponen sino una sola opci贸n de imagen.
Puede ser una cadena de almacenes gigante, y lo que muestran en todos los almacenes es una sola propuesta de siluetas y de colores.
Lo que queremos es precisamente romper eso y demostrar que s铆 se puede innovar, que s铆 se puede vestir bien, que la persona s铆 se puede sentir bien consigo misma, sin volverse la marca.
驴Porqu茅 s贸lo dise帽an para hombres?
G: Queremos satisfacer la necesidad de los hombres por vestirse bien, y nos parece tambi茅n un reto hacerlo: es realmente m谩s complicado dise帽ar para hombres que para mujeres porque hay muchas menos opciones de d贸nde escoger. Una mujer puede vestirse de mil formas, puede ponerse mil cosas y ya. Los hombres tienen mayor dificultad y hay menos propuestas, y creo que ah铆 est谩 el reto.
V: Nos parece que los hombres son mucho m谩s selectivos a la hora de comprar, porque precisamente no tienen tantas opciones a la hora de comprar. Nuestras prendas est谩n dirigidas a alguien que se preocupa por los materiales y por la silueta.
驴C贸mo encaja el hombre colombiano con la silueta de JUAN?
V: Nosotros vimos la necesidad en el cliente que s贸lo encontraba tallas muy grandes que no iban acorde a su cuerpo.
G: Nos basamos en un prototipo de hombre real. No estamos pensando ni en el hombre europeo ni en el latino. Estamos pensando en nuestro mercado actual que es Bogot谩, Colombia, y algunos sitios donde hemos exportado 煤ltimamente.
No tenemos la imagen del hombre latino que es el que muestran otras marcas鈥
V: 鈥 un hombre musculoso que va al gimnasio, que exige tallas grandes. Nosotros s铆 pensamos en un hombre real pero que simplemente no es 茅se.
驴Sus ideas impactan al p煤blico o vienen del p煤blico?, 驴ustedes proponen o siguen tendencias?
G: A nosotros nos gusta proponer. Hay muchas cosas que ya est谩n inventadas y no queremos apartarnos del todo de esa realidad, pero la idea siempre es proponer. De eso se tratan nuestras reuniones creativas y nuestras colecciones. 驴qu茅 pensamos?, 驴qu茅 nos inspira?, 驴qu茅 podemos hacer?, siempre a la expectativa de la respuesta del p煤blico.
V: Es un equilibrio entre darle al cliente una propuesta de c贸mo se ver铆a bien, pero sin dejar de pensar en 茅l mismo. Lo m谩s importante para nosotros es que el cliente se sienta bien, sin darles exactamente lo que esperan, sino darles m谩s, sorprenderlos.
驴Es problem谩tico fusionar la creatividad con la funcionalidad?
G: Pues en todas las colecciones tenemos una l铆nea que es m谩s elevada, donde rompemos m谩s todas esas reglas de la moda y del patronaje. Siempre usamos la creatividad sin olvidar la funcionalidad, que es clave en el vestir.
No hacemos una l铆nea hiper-sofisticada de pieles porque sabemos que una pieza de esas complementa diez piezas del armario de un hombre.
V: Como dise帽adores tambi茅n nos gusta darlo todo en ciertas piezas, pero sabemos que depronto son objetos que nos son para todo el mundo.
驴Creen que desde que naci贸 JUAN la vida visual bogotana ha cambiado?
V: En los hombres s铆 hubo un impacto. Ellos se dieron cuenta de nuestro esfuerzo por darles la importancia que se merec铆an, al sentirse relegados de un mundo donde abundan las marcas para mujeres o para hombres muy tradicionales.
G: Varios clientes nos dicen que no ten铆an donde comprar ropa antes y se sienten satisfechos con que JUAN est茅 pensando en ellos ofreciendo lo que no pueden conseguir en otras partes.
驴Y el conejo?
脡l es JUAN.
JUAN鈩
Cra 7 # 54a-36 L-102, Bogot谩, Colombia.
